Formatos Audiovisuales 09

THE WEST WING (1999)

2009-12-21T11:41:00.002+01:00

The West Wing (El ala oeste de la Casa Blanca, 1999-2006) nace del encuentro de varios nombres de gran talento. En primer lugar, el creador y puntal fundamental de la serie, Aaron Sorkin, un guionista que vive entre el cine (Algunos hombres buenos y El Presidente y la Sra. Wade) y la televisión, donde trabaja como Productor Ejecutivo de la peculiar dramedia Sports Night. La asociación con John Wells (E.R. y Third Watch) permite a Sorkin consolidar una oferta de gran peso para las negociaciones con NBC. Por último, el elemento de puesta en escena, uno de los ejemplos más destacados del nuevo lenguaje televisivo, corre a cargo del tercer Productor Ejecutivo, Tommy Schlamme, considerado uno de los mejores directores norteamericanos de televisión que ha trabajado en un gran número de series de categoría, especialmente junto a David E. Kelley. El potente equipo se completa con guionistas del nivel de Alexa Junge (una de las piezas creativas fundamentales de Friends) y asesores políticos de la importancia de Patrick Caddell (consultor de Carter y experto pollster) o Dee Dee Myers, que es Portavoz de la Casa Blanca con Clinton. Con estos mimbres nace el que puede llegar a ser el más importante drama de la historia. Desde su primera temporada, The West Wing gana sucesivamente cuatro Emmys a mejor serie dramática. Esta producción puede asumirse como el paradigma de los nuevos tiempos que corren en el formato. La perfecta combinación de calidad y comercialidad terminan por romper con antiguos tópicos ya obsoletos. La serie parte de un guión de una solidez extraordinaria, con estructuras narrativas originales y sorprendentes. El trabajo con los actores y la realización elevan a una altura inusual la puesta en escena de una serie dirigida a la televisión en abierto. The west wing narra la vida en el ala oeste de la casa Blanca, donde se encuentra el despacho oval del Presidente (Martin Sheen) y las oficinas de su equipo de asesores de máxima confianza. Destaca el trabajo de solventes actores como John Spencer (La Ley de Los Ángeles), Rob Lowe (hasta la cuarta temporada), Richard Schiff o Bradley Whitford. Además suele contar con la colaboración puntual de nombres de gran prestigio. En sus primeras cinco temporadas vive grandes polémicas debido al impacto de muchos de sus argumentos y por la intensidad de la vida política real norteamericana que se vive en paralelo a la creación de la serie (Elecciones, Guerra de Irak, etc.).

THE SOPRANOS (1999)

2009-12-21T11:38:00.001+01:00

En 1998, la cadena de pago del grupo Time-Warner, HBO decide introducirse en la producción de series del formato drama tras el éxito de algunas de sus telecomedias (Dream on y, sobre todo, The Larry Sanders Show) y tras una larga experiencia en el campo de los tv-movies. Entre los diferentes proyectos que estudia, elige finalmente un proyecto creado por David Chase, un veterano profesional que ya veinte años atrás colabora como guionista y director del clásico Alfred Hitchcock Presenta y que posteriormente llega a ser productor ejecutivo de series como Doctor en Alaska. La idea de Chase se titula Los Soprano (1999-2007) y se basa en contar la vida cotidiana de una banda de mafiosos en New Jersey, con especial atención sobre la vida familiar y personal del capo, Tony Soprano (encarnado por el actor James Galdolfini). Los Soprano supone el más avanzado paso conocido hasta la fecha en el clásico formato del drama. Su emisión a través del canal de pago HBO permite solventar algunos tradicionales impedimentos. Tal es el caso de loa ausencia de cortes publicitarios que posibilita la creación de estructuras narrativas más compelas, sin estar atadas a la fórmula de los actos con sus puntos de giro obligados antes de cada break. En la misma línea, la emisión codificada permite alejarse de los cánones de la televisión convencional en cuanto a lenguaje y a contenidos a tratar. Todo ello permite acercar mucho más la televisión a la estética cinematográfica. Para muchos es la mejor serie de televisión que se haya realizado hasta la fecha. La serie tiene un final controvertido que desata largas polémicas. Su influencia en el medio televisivo es absoluta. Nada ha sido igual a partir de ella. Los limites sobre la calidad en televisión han quedado completamente rotos y el viejo aforismo respecto a la imposibilidad de conciliar éxito y calidad ha dejado de tener sentido.

FREAKS & GEEKS (1999)

2009-12-15T09:13:00.002+01:00

Uno De los atractivos que tiene el trabajo en televisión es el de la imposibilidad de predecir qué puede ocurrir en cada momento. En la historia del medio se acumulan grandes éxitos que al final tienen poco valor para la posteridad y a la vez sonoros fracasos que tienen influencia decisiva en años posteriores. Tal es el caso de Freaks & Geeks, una serie emitida en la temporada 1999-2000 y que posiblemente encabece la lista de títulos malditos del género. Se trata de un proyecto desarrollado por el guionista y productor Judd Apatow que había trabajado años atrás en The Larry Sanders Show y en The Ben Stiller Show. La serie sólo dura una temporada y se emiten 18 episodios. El evidente fracaso comercial va acompañado de magníficas críticas y de algunos galardones importantes. Apatow en realidad se adelanta a su tiempo y sienta las bases en Freaks and Geeks de lo que poco tiempo después se convertirá en la corriente de cine comercial más importante del nuevo siglo. Ruptura de los arquetipos tradicionales, mayor realismo, apuesta decidida por romper tabúes,… Apatow es hoy en día la figura más importante del cine norteamericano de comedia. Sus reiterados éxitos como productor, guionista o director así lo confirman. Virgen a los 40, Dick & Jane, Un lío embarazoso, Superbad, Forgetting Sarah Marshall, Zohan, Year One, Funny People, … son algunos ejemplos de su carrera.
Freaks & Geeks es sin duda una serie maldita que quizá equivocó su lanzamiento en televisión en abierto, en lugar de haberse ubicado en la de pago donde posiblemente hubiera tenido un recorrido más importante. Pese a haber transcurrido más de una década, la serie sigue manteniendo vigencia y sigue siendo objeto de culto para muchos amantes de la mejor televisión.

L.A. LAW (1986)

2009-11-27T09:09:00.001+01:00

El gran éxito obtenido por Canción triste de Hill Street permite a Steven Bochco recibir una suculenta oferta de NBC para abordar un segundo proyecto. En 1986 se estrena L.A. Law (La ley de Los Ángeles) que actualiza a su vez otro clásico televisivo, los courtroom-dramas. La serie se rueda íntegramente en interiores y se apoya sobremanera en el soberbio trabajo de los actores y, especialmente, en la labor de los guionistas dirigidos por el propio Bochco junto a Terry Louise Fisher. Curiosamente, ambos acaban enfrentados en un duro conflicto tras romper sus relaciones como socios que terminan con la salida de Fisher. Para la elaboración de las tramas se contrata a un joven abogado que sirve de consultor. Su nombre es David E. Kelley, que de esta manera se introduce en el mundo de la televisión. Hasta 1994, L.A. Law consigue igualar el record sólo alcanzado por Hill Street Blues de cuatro Emmys al mejor drama. En multitud de ocasiones los diferentes episodios de cada temporada copan las nominaciones a los mejores guiones y a la mejor dirección.

La ley de Los Ángeles mantiene una estructura narrativa similar a su predecesora e inspiradora Hill Street Blues. Con un reparto amplio en el que los distintos actores se alternan en el protagonismo principal de cada episodio, se abordan todo tipo de casos con una cuidada fórmula que mezcla con maestría asuntos serios con otros más humorísticos. El ambiente, el de un poderoso bufete especializado en ganar casi todos los casos, contrasta con el más humilde de la comisaría de la calle Hill. En la serie cobran especial fuerza las tramas con alto contenido ético en las que el espectador se ve atrapado antes de cada veredicto judicial. Hábilmente, se intercalan las historias personales y sentimentales del amplio elenco de protagonistas. La definición de los distintos personajes es de una maestría difícilmente superable al conseguir aglutinar en un mismo equipo a estereotipos absolutamente diferentes y enfrentados a priori.

MOONLIGHTING (1985)

2009-11-27T09:06:00.001+01:00

Tras Hill Street Blues, nada vuelve a ser igual. Casi al igual que ocurre en la era dorada de los sitcoms de los años setenta, en la que conviven producciones comerciales y tópicas con series de alta calidad con no menos éxito, el mismo proceso se vive en los ochenta en el formato del drama. La NBC encabeza un efecto revulsivo a todos los niveles, con títulos tan diversos como El equipo A, El coche fantástico (1983), Remington Steel (1982), Miami Vice (1984) o L.A. Law (1986). Las otras cadenas tienen que reaccionar para no perder la estela de NBC. Así se suceden éxitos en este formato como Magnum P.I. (1981), Cagney and Lacey (1982) y sobre todo Luz de Luna (1985) y Treinta y tantos (1987).

En esta etapa de plena efervescencia creativa nace otra producción que rompe moldes de nuevo. Se trata de una serie inspirada en el clásico cinematográfico His girl Friday (Luna Nueva), protagonizada por Cary Grant y Rosalind Russell. Su creador, Glenn Gordon Caron, se forma en la escuela MTM como guionista de producciones como Taxi o Remington Steele. Finalmente, en 1985, consigue vender a ABC un innovador proyecto titulado Moonlighting (Luz de Luna), con Bruce Willis y Cybill Sepherd. Posiblemente estamos ante la serie menos estandarizada de la historia. Unos guiones llenos de ingenio y una dirección y realización en muchos casos más cercanas al cine que a la televisión dificultan la necesidad de cumplir los plazos semanales de producción. Las malas relaciones personales entre los dos actores principales acaban por complicar aún más las cosas. De hecho, no es extraño que se suspendiera alguna emisión debido a que el episodio no está dispuesto en el momento adecuado. Para terminar las complicaciones, Cybill Sepherd se queda embarazada en la vida real y a la vez Bruce Willis inicia una imparable carrera cinematográfica. Todo esto acaba por bloquear el desarrollo cotidiano de una serie que acaba por ser cancelada antes de lo que su calidad merecía.

HILL STREET BLUES (1978)

2009-11-25T09:13:00.001+01:00

En 1978, NBC estrena Hill Street Blues (Canción triste de Hill street). De esta forma, se inicia una auténtica renovación de un formato caracterizado hasta la fecha por su conservadurismo y estabilidad creativa. Marca una de las cumbres de la historia de la televisión. Su principal aporte radica no sólo por lo que significa, sino especialmente por el momento en el que surge. Un género con claros síntomas de asfixia se revitaliza con un planteamiento revolucionario a la vez que impactante. Los actores, la realización, los guiones, el lenguaje,… todo es un impacto para la época. Steven Bochco, el productor ejecutivo, pasa a convertirse en una figura emergente de primer nivel gracias a esta obra extraordinaria. Junto a él colaboran un buen grupo de jóvenes que con los años ocuparán puestos de máxima responsabilidad en grandes éxitos de la televisión. Entre otros, figuran guionistas o productores como Michael Kozoll, David Milch, Gregory Hoblit, Mark Frost, Anthony Yerkovich o Betty Thomas. La serie está producida de nuevo por la MTM de Tinker que ya, en ese momento, se convierte en el referente absoluto de la televisión mundial.
Entre las múltiples novedades que aporta esta serie, quizá la más significativa sea la de romper los principales códigos narrativos repetidos hasta la extenuación. La serie curiosamente coincide en algunos elementos con el otro extremo de la escala de calidad. La idea de abordar estructuras multitramáticas que combinan un argumento principal con otras historias con menor presencia, que se desarrollan en paralelo, casi al estilo de los viejos culebrones, aunque con un contenido nada convencional. De la misma forma se acaba con la tradición de realizar tramas siempre autoconclusivas. Algunas de sus historias se alargan durante varias semanas y aparecen y desaparecen del mapa de tramas. La serie es rupturista no sólo en su estructura, también en su puesta en escena, en su lenguaje y en el enfoque de un género superexplotado, las series policíacas. La televisión contemporánea tiene un capítulo ineludible dedicado a esta joya de la televisión. Gran parte de las series que hoy en día se producen tienen en Hill Street Blues su mayor influencia.

LOU GRANT (1977)

2009-11-25T09:11:00.002+01:00

El proceso de excesiva estabilidad en el formato del drama que se extiende hasta mediados de la década de los 70, se rompe curiosamente gracias a la llegada de quienes más habían contribuido en los últimos tiempos a modernizar y actualizar el sitcom. James L. Brooks (The Mary Tyler Moore y Taxi), Allan Burns (The Mary Tyler Moore y Rhoda) y Gene Reynolds (M*A*S*H) se unen para realizar la más importante producción de drama realizada hasta la fecha. Tras el cierre de la histórica serie The Mary Tyler Moore se pone en marcha un curioso spin-off (continuación) protagonizado por Ed Asner, que lleva como título el nombre del personaje que encarnaba, el periodista Lou Grant. De un sitcom nace un drama. Un equipo especializado en comedia aborda por vez primera una serie comprometida y rupturista. Consiguen crear la primera gran obra televisiva del drama norteamericano.
Emitida entre 1977 y 1982, Lou Grant acapara mucho más prestigio que éxito de audiencia. La serie gana el Emmy al mejor drama en las temporadas 78-79 y 79-80. Se trata de una de las grandes obras de la mítica productora MTM, creadora de la corriente denominada Quality TV, que compagina el triunfo comercial, con un nivel de calidad indiscutible. La empresa está dirigida por Grant Tinker, marido de la actriz Mary Tyler Moore, y que monta con ella la productora que llevaba por nombre las iniciales de su mujer. La coincidencia entre el apellido del periodista de ficción y el nombre de pila del presidente de la compañía no es evidentemente una casualidad. Lou Grant inventa el género del newspaper-drama. La serie tiene un fuerte contenido ideológico al presentar la vida en un periódico independiente, liberal y combativo frente a la corrupción, el abuso de poder y la injusticia social, La Tribuna de Los Ángeles donde Lou Grant encuentra trabajo como Redactor Jefe. Sin grandes despliegues de producción, la consigue altas cotas de brillantez, fundamentalmente por la crudeza de muchos de sus guiones, la profundidad de sus personajes y la trascendencia de los conflictos abordados. Nada será igual en la televisión estadounidense después de Lou Grant.

COUGAR TOWN (2009)

2009-11-17T09:16:00.001+01:00

Es una de las series más esperadas de la presente temporada debido a las credenciales de quienes han promovido el proyecto. En primer lugar, Bill Lawrence, el creador y Productor Ejecutivo. Sus más importantes trabajos los desempeñó en dos títulos de gran éxito como Spin City y Scrubs. Anteriormente trabajó como guionista de Friends donde coincidió con su socia en Cougar Town, la popular Courteney Cox. La ex-Mónica es la estrella principal de esta comedia ambientada en Florida. En torno a ella gira toda la acción. Su vis cómica se apoya en unos guiones absolutamente trasgresores para la televisión en abierto norteamericana. La protagonista es una mujer de mediana edad divorciada con un hijo adolescente. Trabaja en una agencia inmobiliaria e intenta reordenar una vida un tanto caótica tanto en su esfera sentimental, como familiar, como profesional.
El piloto de la telecomedia fue muy bien recibido por la crítica y el público. Obtuvo más de 11 millones de espectadores, aunque posteriormente ha ido perdiendo casi la mitad de ellos. Se emite la noche de los miércoles back to back (pegada una a la otra) con la citada Modern Family. De momento en sus primeras emisiones parece aguantar el tirón de la audiencia, aunque se mueve en índices en el límite de la renovación.

PARKS AND RECREATION (2008)

2009-11-17T09:13:00.002+01:00

Esta serie es uno de los escasísimos productos que ha conseguido salir vivo de la criba de la temporada pasada. La serie tiene un referente principal. Tiene claras concomitancias con The Office. No en vano, los creadores de la nueva serie son dos de los artífices claves de la versión americana de la popular serie británica. Al igual que en The Office, la serie simula la grabación de una especie de documental. Los actores explican a cámara sus pensamientos y se mueven delante de los supuestos operadores de un reportaje inexistente. Nunca se explica nada al espectador que entiende perfectamente el código, tras el éxito de The Office. La fórmula, bautizada en Estados Unidos como Mockumentary, parece haber cuajado de forma cotidiana. El ambiente laboral se desarrolla en esta ocasión en el mundo de los funcionarios municipales, del área de parques y jardines de una pequeña ciudad inventada en el estado de Indiana, llamada Pawnee. La incompetencia es evidentemente la base argumental de un plantel de actores que giran en torno a la figura de Amy Poehler. Es hoy en día una de las cómicas más prestigiosas, gracias a su trabajo en Saturday Night Live, donde ha coincidido con Tina Fey como co-estrella.
Los creadores de la divertida Parks and Recreation son Greg Daniels y Michael Schur, que han coincidido los últimos años como responsables de la versión americana de The Office. Greg Daniels está considerado uno de los grandes de la comedia televisiva actual. Su currículum es impresionante. Trabajó para Saturday Night Live. Ganó un Emmy como escritor del episodio Lisa’s Wedding de Los Simpsons. Es autor del episodio The Parking Space de Seinfeld, considerado uno de los mejores de la serie. Asimismo fue Productor Ejecutivo de King of the Hill, la serie de animación de gran éxito en Estados Unidos, aunque no así fuera de sus fronteras.

MODERN FAMILY (2009)

2009-11-17T09:10:00.001+01:00

Estamos ante el último éxito del formato del sitcom en Estados Unidos. La serie se ha estrenado en Septiembre de 2009 en la ABC. El proyecto viene avalado por la firma de dos nombres importantes de la producción norteamericana de los últimos años. Steven Levitan y Cristopher Lloyd coincidieron trabajando ni más ni menos que en Frasier. Durante años llevaron adelante uno de los trabajos más reconocidos de la historia de la televisión. Después ambos han colaborado separadamente en diferentes proyectos. Lloyd, un veterano guionista que escribió incluso para The Golden Girls, había producido la comedia Out of Practice que se cerró con mejores críticas que resultados de audiencia. Steven Levitan de Frasier pasó a la exitosa Just Shoot me y más recientemente por Back to You, protagonizada por Ted Danson. Ahora se reencuentran en Modern Family, una curiosa mezcla de tradición y modernidad. Manteniendo los ingredientes de los más importantes clásicos de la comedia televisiva de calidad, firman un trabajo ambientado en los tiempos actuales con una temática que intencionadamente rompe los moldes de la familia tradicional televisiva. Con un excelente casting, un magnífico guión y una cuidada dirección consiguen un producto que ha sintonizado con los gustos de la exigente audiencia actual y parece contar con todos los síntomas para pensar en su continuidad en antena algunas temporadas más.

SEX AND THE CITY (1998)

2009-11-10T11:44:00.001+01:00

Serie creada por Darren Star, productor ejecutivo de conocidos éxitos anteriores, como Melrose Place. Al igual que ocurre con The Larry Sanders Show se trata de una serie emitida en el canal de pago HBO. Al no ofrecerse con cortes publicitarios suele contar con una serie de características originales que van desde su duración (cercana a los 30 minutos netos), una puesta en escena más rica de lo habitual y un contenido trasgresor que supera todos los límites jamás alcanzados por la televisión norteamericana en su historia, en lo que a su contenido sexual se refiere.
Narra las aventuras y desventuras en su vida sentimental de cuatro amigas neoyorkinas en torno a la figura de la actriz Sarah Jessica Parker, que encarna el papel de una periodista de la vida social en la ciudad. La serie describe las aventuras y desventuras de la clase urbana y profesional de un lugar tan particular como Nueva York, desde el punto de vista femenino, esforzándose en romper tabúes sobre el papel de la mujer en la historia de la televisión, sin eludir la utilización de lenguaje explícito y argumentos “políticamente incorrectos”.
Sex and the city se ha convertido en la primera serie de la historia que se transforma en referente en ámbitos como la moda. Su peso estético era evidente, pero su mayor hallazgo es su conexión con una imagen de la mujer moderna, independiente y cosmopolita. Su paso al cine tras la desaparición de la serie supuso un nuevo éxito comercial, gracias al apoyo de sus innumerables fans en todo el mundo.

FLIGHT OF THE CONCHORDS (2007)

2009-11-10T10:13:00.001+01:00

Si 30 Rock representa la revitalización absoluta de la cara más convencional del sitcom, el extremo opuesto en estos últimos tiempos quizá lo hayan supuesto diferentes proyectos caracterizados por su capacidad de asumir riesgos y de buscar caminos hasta ahora no recorridos. En este peculiar terreno podemos encuadrar Flight of the Conchords, si es que puede encasillarse de alguna manera. Bett McKenzie y Jermaine Clement se han convertido en las grandes estrellas de la nueva televisión de culto. Se trata de un dúo musical de cómicos neozelandeses que en poco tiempo se han hecho con un lugar estelar en el mundo de la música alternativa y en el de la televisión. Ya han ganado Grammy como mejor grupo de música cómica y han conseguido varias nominaciones a los Emmys con su serie. Flight of the Conchords es el nombre real del dúo que en la serie se supone que se ha trasladado a vivir a Nueva York a intentar abrirse camino artístico. El freakismo de la serie es evidentemente intencionado y es una de sus claves. Para la puesta en marcha de la serie, Brett y Jermaine se unieron a un especialista en el mundo de la creación y producción televisiva. James Bobin es la tercera pata de la silla. Bobin trabajó años con Sacha Baron Cohen en el programa que le lanzó a la fama, Da Alí G Show.
Flight of the Conchords se emite evidentemente en televisión de pago, a través de HBO, donde se ha hecho con un lugar destacado de la rejilla, en la noche de los domingos. La música del dúo, que forma parte cada semana del show televisivo, ocupa lugares destacados en las listas del género alternativo. La existencia de una serie tan peculiar es imposible de entender sin asumir la importancia que otros títulos anteriores como The Office, My Name is Earl, Extras o Curb Your Enthusiasm han tenido en la evolución del género. A su vez, hay evidentes referentes cinematográficos como clásicos del cine independiente como Napoleon Dinamita, los filmes de Kevin Smith o los inicios de Alexander Payne en Election.

30 ROCK (2006)

2009-11-10T10:10:00.002+01:00

Sin lugar a dudas, el mayor éxito de la telecomedia norteamericana de los últimos años. Adorada por crítica y público ha tenido curiosamente mucha menos trascendencia internacional. Ha acaparado los tres últimos años el Emmy a la mejor comedia, fenómeno sólo alcanzado en la historia por títulos del calibre de Frasier, Cheers, Taxi o Mary Tyler Moore. La serie ha sido desarrollada por la factoría Saturday Night Live, con Lorne Michaels al frente. Tiene como eje central la figura de la hoy hiperfamosísma Tina Fey. Ella era una de las cómicas más populares del SNL hasta que consigue su papel protagonista en su propia serie. En su cima de popularidad, consigue además un personaje irrepetible como imitadora de la candidata republicana a la Vicepresidencia, Sarah Palin, dentro de SNL.
Resulta llamativo contemplar cómo en mitad de un buen número de series que han destacado por su innovación y su aire rupturista, el éxito vuelve a iluminar un concepto fielmente tradicionalista que tiene en Two Men and a Half su único compañero de viaje en la televisión actual. 30 Rock ha recuperado una vez más el formato clásico de la sitcom, ambientada de nuevo en el mundo de la televisión. La serie cuenta la vida de un show, similar al Saturday Night Live, que se emite supuestamente en la NBC. Tina Fey (Liz Lemon) hace el papel de la Productora Ejecutiva del programa, donde coexisten todo tipo de arquetipos del oficio: guionistas, actores, administrativos y por supuesto directivos, con el redivivo Alec Baldwin al frente de la cadena. Las influencias históricas son más que evidentes, con Mary Tyler Moore y Murphy Brown como referentes más directos. Una vez más la vieja historia de que el sitcom se muere ha vuelto a repetirse. En este caso, la resurrección y actualización de este clásico e inmortal formato tiene un nuevo protagonista: 30 Rock.

ENTOURAGE (2004)

2009-11-10T10:08:00.001+01:00

El súper éxito alcanzado en HBO con Sex and the City, anima a la cadena de pago a poner en marcha un proyecto que en circunstancias normales debiera haber fracasado desde su arranque. Se trata de hacer una versión masculina de la famosa franquicia neoyorkina, trasladada a Los Ángeles y centrada en el mundo de Hollywood. Su título, Entourage. La idea original de la serie está basada en la experiencia personal de uno de los productores, el conocido actor Marc Wahlberg, cuando siendo aún joven se convierte en una estrella del cine. El creador y motor del proyecto es Doug Ellin. Una vez más, estamos ante un cómico judio neoyorquino que vive de realizar monólogos por locales especializados. Decide trasladarse a Los Ángeles y ganarse la vida como guionista. Después de varios encargos consigue vender a HBO su proyecto sobre la vida dentro de Hollywood para una estrella naciente. Una especie de cuento de hadas para hombres que se convierte en un gran éxito para la cadena de pago y a la vez en uno de los títulos más prestigiosos del mercado. Ellin consigue reclutar a un buen número de escritores de primer nivel como Stephen Levinson (creador de In Treatment) o como el mismísimo Larry Charles, toda una institución en el mundo del guión (Seinfeld, Mad About You, Curb Your Enthusiasm, …).
El casting es uno de los grandes aciertos de la serie. Ellin reúne a cuatro actores discretos sin currículum destacable, pero con una indiscutible química en torno al protagonista, Adrian Grenier, que encarna a la supuesta estrella Vincent Chase. Y junto a ellos un actor impresionante, Jeremy Piven, un clásico secundario del cine, que alcanza en Entourage su papel cumbre. Ganador en varias ocasiones del premio Emmy al mejor actor secundario ha hecho de su interpretación del agente artístico Ari Gold un papel inolvidable para la historia del medio. Otro de los atractivos de la serie es la sucesión de magníficos cameos que aparecen cotidianamente, así como el recorrido por los lugares más trendys del Los Ángeles más hollywoodiense...

MY NAME IS EARL (2005)

2009-11-10T10:05:00.001+01:00

En la edición de los Emmy de 1996 se vuelve a producir un hecho poco habitual. Aunque ese año la versión norteamericana de The Office obtiene el galardón a la mejor serie, un episodio piloto de una nueva comedia alcanza el premio al mejor guión y a la mejor Dirección. Sólo lo había conseguido Malcolm in the Middle años atrás. La nueva comedia se llama My Name is Earl y está creada por un guionista con años de recorrido, Greg García. Había trabajado con anterioridad en Family Matters, donde aprendió la base del oficio y luego ganó prestigio y peso en Yes, Dear y en Family Guy. Le llevó un tiempo vender un proyecto demasiado rompedor para las cadenas generalistas. Sin embargo, los tiempos estaban cambiando y los programadores se dan cuenta de que necesitan ideas innovadoras que hagan frente a la creciente audiencia de las series de televisión de pago. Sólo así se entiende que finalmente, la cadena NBC decida producir My Name is Earl para programarla en su horario estelar en la noche de los jueves junto a The Office. La serie tiene una base autobiográfica, ya que el personaje de Earl está basado en el padrastro del productor ejecutivo, Greg García, también llamado Earl y con algunas coincidencias con la creación de García. Para el papel protagonista, los productores consiguen a Jason Lee, pese a su rechazo inicial al verse introducido en un negocio televisivo que pudiera perjudicar su carrera cinematográfica. La importancia de My name is Earl es la historia de la televisión tiene una doble importancia. Por un lado, se encuentra el peso de la serie en sí misma. Pera además no es menos significativa su influencia decisiva en el género. García tiene el acierto de introducir la estética y el estilo del cine independiente norteamericano en la comedia televisiva. Desde entonces, la experiencia se ha repetido en varias ocasiones. La serie se cierra al terminar la temporada 2008-2009, debido a su alto coste de producción teniendo en cuenta su audiencia descendente. Se había convertido en una serie de culto demasiado cara para la NBC.

CURB YOUR ENTHUSIASM (2000)

2009-11-04T16:18:00.001+01:00

Larry David es el arquetipo del tipo inclasificable. Es un cómico y escritor absolutamente peculiar que ha conseguido vivir de sus rarezas. No resulta casual que Woody Allen lo haya elegido de sucesor de su propia figura como protagonista de su última película. Durante años vivió como cómico de monólogos en Nueva York. Luego derivó su carrera como guionista de programas de humor como Saturday Night Live. El éxito le sobrevino cuando junto a su amigo Jerry Seinfeld creó la mítica serie Seinfeld, repleta de situaciones autobiográficas. Juntos desarrollaron una de las creaciones más importantes de la historia. David decidió no aparecer como actor y que su personaje fuera representado por Jason Alexander.
Años después, tras haber abandonado Seinfeld, consigue vender a HBO un extrañísimo proyecto. Era un mockumentary (un documental falso) en el que recreaba sus reuniones con los ejecutivos de HBO para la realización de un especial en el que supuestamente él iba a volver al escenario de los monólogos. El programa tiene unas magníficas críticas por su original planteamiento y su sorprendente puesta en escena. El canal de pago decide animarse a reconvertir la idea en una serie que se estrena un año después, en el 2000. Así nace Curb Your Enthusiasm (Controla tu entusiasmo). En esta comedia, Larry David hace de sí mismo rodeado de un gran plantel de actores que representan su entorno familiar y profesional. La serie mezcla un extraordinario trabajo de escaleta abierto a la improvisación de los actores en la grabación. Ésta se realiza en decorados naturales con un par de cámaras al hombro, lo que aporta un original toque de difícil comparación con nada precedente. Desde la primera temporada produce solamente diez episodios por año que son esperados con ansiedad por sus innumerables seguidores. Entre los rasgos más llamativos de la serie se encuentra la impresionante colección de cameos que acumula. No menos significativa es la larga lista de galardones que ha obtenido, entre los que se encuentra su presencia cotidiana en las nominaciones a los premios Emmy. Una absoluta obra maestra de la televisión reservada para los paladares más exigentes.

THE OFFICE UK (2001) THE OFFICE USA (2005)

2009-11-04T16:16:00.001+01:00

En 2001 la BBC estrena en Reino Unido la serie The Office, creada por el cómico Ricky Gervais. La comedia se presenta en un curioso formato en el que supuestamente la BBC está realizando un documental sobre la vida cotidiana en una oficina típica de cualquier ciudad de provincias. Se trata de una empresa de distribución de productos de papelería con cero glamour. El personaje central es el Jefe, un completo imbécil, protagonizado en por el propio Gervais. La serie sólo duró dos temporadas en Gran Bretaña y se cerró con sólo 14 episodios producidos. Su éxito llamó la atención del mercado norteamericano. El productor Ben Silverman consiguió vender una adaptación original a la NBC. Para hacerla, el propio Ricky Gervais y su socio inseparable, Stephen Merchant, se trasladan a vivir a Los Ángeles y ponen en marcha la segunda versión de The Office. Se estrena en 2005 y a día de hoy aún sigue en emisión. Se ha convertido en un título de culto indiscutible. Para la versión americana se hicieron algunas significativas variaciones. Se le dio un toque más comercial en todos sus aspectos. Para el papel protagonista se seleccionó al actor Steve Carell, convertido gracias a la serie en uno de los cómicos más cotizados de Hollywood. También se buscó una estética menos fría y cutre que la versión original y se potenció la parte de comedia romántica en torno a los personajes de Jim y Pam. El equipo de guionistas está encabezado por Gervais y Merchant, pero además incorpora a auténticos números uno como Greg Daniela o escritores que simultanean su trabajo con papeles en la propia serie como B.J. Novak o Paul Lieberstein. The Office es algo más que una de las mejores series de la historia de la televisión. Además supone un caso paradigmático de la poco habitual mezcla de calidad, innovación y éxito.

EVERYBODY LOVES RAYMOND (1996)

2009-11-04T16:13:00.002+01:00

Una vez más, un reputado cómico de monólogos, Ray Romano, se convierte en protagonista de una telecomedia de gran éxito. En este caso, es quizá el último de los grandes éxitos alcanzados por el género en Estados Unidos dentro del género de las series familiares. Este sitcom se inspira en el material que el propio Romano utilizaba en sus espectáculos. Con el tiempo, el equipo creativo, con Phil Rosenthal al frente, llega a desarrollar una larga serie de episodios que consigue el difícil reconocimiento de crítica y público. Todo el mundo quiere a Raymond cuenta la vida cotidiana, sin grandes sobresaltos, de una familia media estadounidense de ascendencia italiana. Raymond (Ray Romano) se dedica a sobrevivir lo mejor que puede entre los permanentes conflictos que el quehacer diario genera. Para ello, debe servir de puente entre toda una serie de personajes de fuertes rasgos cómicos que conforma su entorno Sus entrometidos padres viven en la casa de al lado, junto a su peculiarísimo hermano Robert, un peculiar policía. Ray, periodista deportivo de profesión, convive con su mujer y sus tres hijos.
La serie se convierte en todo un fenómeno de audiencias. Recupera el clásico concepto de la sitcom tradicional familiar, aunque con evidentes aportaciones en los contenidos que aborda. Raymond se extiende casi una década sobre la base de contar con una magnífica plantilla de guionistas. El guión es sin duda la base de la serie, junto a un casting excepcional. Todo ello bajo la supervisión del gran Phil Rosenthal que llegó a relatar todas sus experiencias en su libro You’re Lucky You’re Funny.

FRIENDS (1994)

2009-10-29T14:47:00.003+01:00

Desde su estreno, la friendmanía invade EEUU en apenas unos meses. La serie arrastra cada semana a millones de norteamericanos que siguen las historias de seis jóvenes que comparten sus vidas en Nueva York. Cada uno de ellos tiene su propia e identificable personalidad. Eso sí, de partida se distinguen claramente dos bandos, los chicos y las chicas. El conflicto de sexos es el hilo conductor de la serie. Pocas veces en la historia se habla tanto de sexo en una serie con tanta intensidad y tanta elegancia a la vez. De nuevo estamos ante humor de muy alto nivel. La batuta como director de James Burrows en los inicios de la serie resulta decisiva para sacar el máximo partido a estos seis actores desconocidos que pasan a convertirse en super estrellas de Hollywood.
Los estereotipos representados por los personajes son todos ellos atractivos en sí mismos, pero enfrentados entre sí llegan a ser explosivos. Mónica (Courteney Cox) es la “madre” del grupo. Responsable, maniática y obsesionada con su dificultad para encontrar al hombre perfecto. Rachel (Jennifer Aniston) es una niña-bien que renuncia a casarse en el altar por conveniencia y afronta con asombro la dura vida de la gente normal. Debe romper las tarjetas de crédito de su padre y empezar a trabajar como camarera en el Central Perk, el café donde se suelen reunir cada tarde. Las dos comparten un ático. A ellas se une Phoebe (Lisa Kudrow). Es la inocente del grupo. Su simplicidad mental es su defecto y su virtud.
Por parte de los chicos, el equipo lo componen Chandler, Joey y Ross. Este último, Ross, es hermano de Mónica. Vive solo bajo el impacto de una separación no deseada. Su mujer le abandona no por otro, sino por otra. Es tímido, muy reflexivo y algo patoso con las mujeres. Joey no conoce a cambio complicación alguna. Las mujeres no sólo se le dan bien, sino que dedica al tema todo el tiempo posible. Su falta de cerebro la suple con una clara jerarquía en sus intereses vitales. Por último, Chandler, vive en un mundo interno lleno de complicaciones. Trabaja en una oficina y, cómo no, las chicas son su principal interés. Su labia le permite moverse muy bien en el terreno de la conquista, pero es un insatisfecho permanente que encuentra defectos a todas sus parejas.
En este mundo se desenvuelve una serie que eleva al primer lugar profesional a sus creadores y productores Marta Kauffmann, David Crane y Kevin S. Bright.

MURPHY BROWN (1988)

2009-10-29T14:38:00.003+01:00

Apenas unos días después de que naciera Roseanne, el 14 de Noviembre de 1988 arranca el sitcom más laureado de la primera mitad de los 90, Murphy Brown, producido por la prestigiosa Diane English. Estamos ante Mary Tyler Moore Show puesto al día. Candice Bergen da vida a una veterana periodista de la cadena de televisión FYI. El ambiente de la serie le permite abordar habitualmente casos relacionados con la vida real norteamericana e incluso llega a ser protagonista de la actualidad, particularmente a raíz de la decisión de Diane English de embarazar a Murphy y convertirla en madre soltera. La polémica entre los productores, actores y el vicepresidente de George Bush, padre, el ultra-conservador Dan Quayle, pasa a la historia del absurdo. Quayle llega a hacer intervenciones públicas en las que se manifiesta en contra del embarazo de Brown, al tratarse de una mujer soltera y al tener en cuenta el posible ejemplo que puede suponer para otras mujeres. Candice Bergen sale al paso y explica con evidente ironía al impopular Quayle que no se preocupe que, en realidad, es sólo ficción y que las historias de la serie “no son verdad”.
Murphy Brown se adapta muy bien en esta época de revolución en la historia de la televisión. Con un planteamiento muy clásico en los aspectos formales, incluye tramas en las que se introduce en aspectos sociales y políticos. Hace además una permanente defensa de los valores éticos del periodismo y crítica abiertamente el siempre complicado mundo de la televisión comercial. Las polémicas en las que se ve inmersa permite además a la serie ganar adeptos y su implicación en la vida política es tan directa como lo pudo ser Lou Grant en su época, lo cual, desde M*A*S*H nunca antes se había conseguido desde un sitcom.

THE WONDER YEARS

2009-10-27T09:46:00.001+01:00

El 31 de enero de 1988 la cadena ABC emite la SuperBowl, el tradicional mayor acontecimiento televisivo del año. En esta ocasión, la cadena decide aprovechar el tirón para lanzar su producto estrella de la temporada. Tras la revolución impuesta por la NBC de Tartikoff, ABC decide dar un paso adelante. Es una época de grandes cambios en el lenguaje televisivo. Meses antes, la CBS había estrenado una serie llamada Frank’s Place, con poco éxito de público pero de gran importancia histórica al inaugurar un nuevo concepto: las dramedias, que mezclan los dos formatos tradicionales. En esa misma línea, ABC da en el clavo con The Wonder Years (Aquellos Maravillosos Años). Creada por Carol Black y Neal Marlens, la serie gana en su primera temporada el Emmy a la mejor comedia. El formato mezcla con gran efectividad elementos formales de las comedias rodadas en Single Camera con guiones no centrados en el humor. Protagonizada por Fred Savage, la serie rememora la infancia del protagonista, que sólo aparece con voz en off, que echa la vista 20 años atrás. La época que describe es pleno 1968 donde América vive una auténtica convulsión con Vietnam, el movimiento hippie, los conflictos raciales, la liberación sexual,…

FRASIER (1993)

2009-10-27T09:37:00.001+01:00

La excepción que confirma la regla. Muy pocas veces en la historia, un spin-off (serie continuación de otra) consigue mantener el éxito de la precedente. Frasier es un spin-off de Cheers. Mantiene buena parte de su filosofía, con un evidente salto hacia delante en el nivel del humor y en la búsqueda de estructuras narrativas más avanzadas. El personaje central, interpretado por el actor Kelsey Grammer, interpreta el mismo papel de Cheers, el psiquiatra Frasier Crane que tras un fracasado matrimonio en Boston se desplaza a Seattle a rehacer su vida. Allí viven su hermano, también psiquiatra, y su padre, un ex-policía. Con padre e hijo conviven Daphne, la fisioterapeuta inglesa que cuida la salud maltrecha del padre, y el perro, Eddie. Frasier trabaja como presentador de un programa radiofónico de consultas telefónicas.

El nivel del humor de la serie la convierte en una de las más altas cotas que se haya llegado nunca en la historia de la televisión. La finura de los diálogos y la profundidad de algunas de las tramas y situaciones planteadas aprovechan muy bien el centro de interés de los guiones: la personalidad humana en la sociedad actual confrontada con un mundo donde el éxito laboral, sentimental, personal y social marcan el punto de atención de la mayor parte de los personajes que se mueven en el entorno de Frasier. Es posiblemente una de las series más maduras que jamás se hayan escrito.

SEINFELD (1990)

2009-10-27T09:33:00.002+01:00

Al finalizar la temporada 1989-90, NBC decide ensayar una rareza. Se trata de un proyecto extraño creado por dos cómicos Jerry Seinfeld y Larry David. Tras la emisión de sus primeros seis episodios, la crítica la recibe con grandes elogios, aunque la audiencia no terminar de entrar en el extraño mundo propuesto por la serie. De hecho, sus primeras tres temporadas no encuentran gran aceptación entre el público, pero a partir de la cuarta se produce el estallido. En su quinta temporada lidera el ranking de audiencias del año. Desde entonces se mantiene en lo más alto hasta el año 98 en el que el show se cancela por decisión particular del protagonista Jerry Seinfeld, el actor mejor pagado de la televisión norteamericana (1 millón de dólares por episodio). Los secundarios tampoco se pueden quejar (1/2 millón cada uno).

Jerry Seinfeld se convierte en uno de los personajes más populares en Estados Unidos. Se trata, cómo no, de un stand-up comedien. La peculiaridad de la serie consiste en que se interpreta a sí mismo. El personaje de la serie es un cómico que vive en Nueva York y que trabaja en un club nocturno. Junto a él intervienen su ex-novia, Elaine, transformada en su íntima amiga; su viejo amigo, George (trasunto del co-creador Larry David) ; y su excéntrico vecino y amigo, Cosmo. Casi sólo con estos 4 actores se componen todas las acciones del show definido habitualmente como “una comedia sobre la nada”. Una de las peculiaridades de Seinfeld es que en efecto casi nunca pasa nada trascendente. Es la comedia de la rutina rota por pequeñas situaciones, insignificantes en muchas ocasiones. La personalidad de los protagonistas en conjunto, su capacidad humorística y unos guiones muy estudiados completan una fórmula mágica.

Cuando Jerry Seinfeld anuncia que ve agotado el programa y que quiere hacer otras cosas, la cadena NBC casi enloquece al ver cómo puede perder su serie estrella, sin una razón justificada. Le ofrece a Seinfeld cuadruplicar su salario, pero ni aún así. La pérdida del show tiene un gran impacto en el mercado. Cuando Warner Brothers plantea a NBC que quiere subastar entre las cadenas su serie ER (Urgencias), al finalizar ese año el contrato, se provoca una polémica desconocida. NBC no puede permitirse perder el mismo año los dos programas más importantes de la cadena. Ante esta situación, no tiene más remedio que aceptar la enloquecida oferta de la productora de cobrar a la cadena una fortuna inimaginable, 14 millones de dólares por episodio de ER. Lo nunca visto.

EL SHOW DE LARRY SANDERS (1992)

2009-10-22T11:06:00.004+02:00

Se trata del primer gran éxito de una serie que se emite en un canal de pago, HBO. Por vez primera, la televisión de pago se da cuenta de que necesita algo más que cine y deporte para hacer crecer el número de abonados. El más importante canal de pago, HBO, se decide a inaugurar una línea de producción que posiblemente suponga la mayor revolución de la historia de la creatividad televisiva. La emisión de la serie sin cortes de publicidad y con una audiencia selectiva permite a sus creadores trabajar sin los encorsetamientos que impone la televisión convencional.
Larry Sanders, protagonizada y producida por el cómico Garry Shandling, narra las supuestas vicisitudes que se viven dentro de un late-night de la televisión estadounidense. Se trata de un retrato irónico del mundo de la televisión, en el que por vez primera sus creadores se permiten apostar por la calidad, sin concesiones comerciales. Además apenas realiza guiños al gran público y abre una línea de producciones de prestigio alejadas de las grandes audiencias requeridas por las networks. Cada semana suele contar con importantes cameos que suelen hacer de sí mismos como supuestos invitados al programa de Sanders. La serie obtiene multitud de premios, entre ellos el del Emmy a la mejor serie de comedia. Junto a Shandling, trabaja como Productor Ejecutivo, Brad Grey, que años después será uno de los creadores de Los Soprano.

ROSEANNE

2009-10-21T16:10:00.000+02:00

El 18 de Octubre de 1988 se abre una nueva etapa en la historia de las telecomedias norteamericanas. Ese día se estrena en ABC Roseanne. Se trataba de un blue-collar com (comedia de obreros y trabajadores). Después de años de series basadas en familias modélicas aparece una familia basura y se convierte en un éxito instantáneo. Hay dos fenómenos a tener en cuenta que tienen que ver directamente con el éxito de la serie. Por un lado, Carsey y Werner que hartos de las críticas de blandenguería y conservadurismo de El show de Bill Cosby, deciden dar un salto en el abismo hacia el extremo contrario. Este proceso tiene lugar en pleno éxito de la moda de los realitys en USA, con lo que el show consigue compaginar la tradición de los sitcoms, con la corriente de interés por la vida real televisada.

Roseanne narra la vida cotidiana de una familia de extracción humilde que vive en la localidad de Lanford, Illinois. El matrimonio de Dan, un trabajador intermitente que suele encontrar empleo en una tienda de motos y reparaciones, y Roseanne pasa penurias económicas y siempre tiene dificultades para educar a unos hijos que no suelen comportarse modélicamente.

La serie representa un impacto en la evolución de los contenidos del género. La ruptura es total: de lenguaje, de situaciones, de personajes, etc. Roseanne no rehuye la creación de una familia que al final funciona, pero lo hace desde unos presupuestos radicalmente opuestos a los códigos más convencionales y tópicos.

La serie supone la encumbración de la cómica Roseanne Barr y el descubrimiento como actor de John Goodman. Se convierte en un gran éxito desde sus inicios y marca un cambio sustancial en el género en Estados Unidos y en el resto del mundo. Tiene de hecho secuelas de gran éxito en Estados Unidos (Grace under fire, Matrimonio con hijos) e incluso España (Pepa y Pepe, una adaptación excesivamente fiel, para no pagar derechos).

THE COSBY SHOW

2009-10-21T15:30:00.000+02:00

En 1984 debuta el sitcom que marca el arranque de la etapa de redescubrimiento del formato del sitcom: The Cosby Show. Posiblemente, desde I love Lucy no se produce un acontecimiento tan trascendente. El gran mérito de la serie radica en volver a llevar al número uno de audiencia un género clásico adaptado a los nuevos gustos de una nueva generación.

Para comprender la coyuntura que se vive, es necesario realizar un apunte al margen. En 1984, Brandon Tartikoff es nombrado como Jefe de Entretenimiento de NBC. Tartikoff, 32 años, lucha por fortalecer y levantar la última cadena de la competencia norteamericana hundida ante el empuje de ABC y sobre todo CBS. Tartikoff comienza a buscar líneas de trabajo radicalmente diferentes a la serie D, pero le falta algo, una locomotora capaz de tirar de su tren último modelo. Ha conseguido poner en marcha buenos shows, pero la cadena necesita un bombazo. Y ese fue Bill Cosby. Tartikoff ve una noche a Cosby como invitado al Tonight Show de Johnny Carson. Allí, Cosby cuenta en forma de monólogo una supuesta historia de su vida familiar. Tartikoff ve que allí hay una serie.

NBC llega a ser líder gracias al impulso de Cosby y al apoyo de una larga serie de éxitos que iban desde Lazos de familia, hasta Hill street blues, pasando por Alf, Las Chicas de Oro, La ley de Los Ángeles, En realidad, Cosby, capaz de lo mejor y lo peor en su carrera, quería hacer una serie sobre un stand-up en Las Vegas con parte del show en sitcom y parte en el escenario en monólogo (algo parecido al posterior éxito de Seinfeld). Los productores Carsey y Werner le convencen de que los tiempos van por hacer una serie sobre gente corriente en la América del momento. Así nace la familia Huxtable.

NBC la adquiere y la convierte en una de las series de mayor éxito de toda la historia de la televisión, no especialmente querida por los críticos, ni por los Emmys, pero adorada por la audiencia de todas las razas, rompiendo un esquema tópico en esta materia.

La historia es muy simple. Cliff Huxtable es un ginecólogo casado y con 5 hijos (4 chicas y 1 chico). El éxito de la serie radica precisamente en la simpleza de su planteamiento. No hay por lo general grandes acontecimientos, sino problemas y cuestiones absolutamente cotidianas, apoyadas en la vis cómica de un actor extraordinario. El éxito se atribuye en la época casi en exclusiva a Cosby, aunque el tiempo acaba por demostrar que los creadores y productores Carsey y Werner (Roseanne, Un mundo diferente, Grace under fire) son la clave de la serie. De todas formas, en The Cosby Show nadie duda del papel preeminente del ex-espía (I spy, con Robert Culp entre 1965 y 1968), que había fracasado con The Bill Cosby Show en 1969, como profesor de gimnasia. En The Cosby Showspin-off con A different world, amparado en el éxito que obtuvo Lisa Bonet en su momento.

CHEERS

2009-10-20T09:40:00.001+02:00

Cheers es para muchos la sitcom número 1 de la historia. Es imposible estar interesado en la televisión y no rendir pleitesía a esta obra maestra del género del humor. La línea argumental de la serie es tan simple como efectiva. Un grupo de perdedores que coinciden cada noche en una bar como tantos otros donde, eso sí, “todo el mundo sabe cómo te llamas”. Y como centro de todo una relación basada en la tradicional fórmula narrativa de la UST (unresolved sexual tension o tensión sexual no resuelta). Es absoluta escuela de Mary Tyler Moore. Los hermanos Les y Glenn Charles junto al director James Burrows trabajan en Mary Tyler Moore y Taxi. Nace de la idea original de hacer una serie sobre un pequeño hotel en Boston. Se dan cuenta enseguida que todo lo divertido que se les ocurre pasa en el bar y así deciden darle la vuelta al planteamiento de partida

El bar existe más o menos similar en la realidad, aunque se llama Bull & Finch. Por lo que al guión se refiere, nunca en la historia de las sitcom norteamericanas se había conseguido ver una serie que supera todas las barreras impuestas en torno al tema del sexo. Sam Malone es un ex jugador de béisbol y ex alcohólico, que pone un bar en el que nunca bebe más que soda. Primero se había pensado en un jugador de fútbol, pero hubo que cambiarlo una vez elegido Ted Danson como actor principal. La serie, otro absoluto objeto de culto, marca de nuevo un antes y un después de la historia del formato. De hecho marca el engarce entre la época dorada de los grandes títulos de los 70 y el renacer del género a mediados de los 80. Se extendió desde 1982 hasta 1993 y ganó todos los galardones posibles en todas las categorías existentes.

MAS*H

2009-10-20T09:35:00.000+02:00

Prácticamente contemporánea a Mary Tyler Moore, se emite otro de los mejores títulos de la historia de la televisión mundial, M*A*S*H, adaptación televisiva de la película del mismo título, dirigida por Robert Altman. La mítica telecomedia se emitió en CBS durante más de una década desde 1972, hasta 1983, siempre con un magnífico resultado de audiencia, además de un extraordinario reconocimiento de la crítica. Se trata de una de las primeras referencias de una televisión ideologizada, que busca a través del humor manifestar un grito pacifista frente a la Guerra de Vietnam. Para evitar complicaciones con los censores y fáciles críticas de antipatriotismo, la serie se ambienta supuestamente en la Guerra de Corea, aunque todo el mundo sabía de qué se estaba hablando. De hecho, la Guerra de Corea duró tres años, mientras la serie se extendió a once. Buena parte de su éxito inicial también se debió a la apuesta de los programadores que ubicaron la serie entre All in the family y Mary Tyler Moore. No cabía mejor hueco. M*A*S*H se extendió a lo largo de 251 episodios. El último de ellos fue un acontecimiento histórico. La emisión obtuvo un 77% de share y se convirtió en el programa más visto de la historia hasta esa fecha. La telecomedia contaba con un extenso casting en el que destacaba la figura de Alan Alda.

TAXI

2009-10-20T09:28:00.001+02:00

Los años 70 marcan, en el mundo de las telecomedias, un doble fenómeno aparentemente contradictorio, pero comprensible en términos de mercado. Nos encontramos ante un final de etapa en el que este género que reinara durante los cincuenta y los sesenta entra en una fase de declive evidente. La producción de sitcoms desciende notablemente ante el escaso interés de la audiencia y los programadores por un formato excesivamente repetitivo y monótono. Lo más curioso es que en esta época de crisis se elaboran precisamente algunas de las mejores telecomedias de la historia. En particular algunas que pretenden apartarse de la tradición más convencional y repetitiva. Mary Tyler Moore marca una cota difícil de superar, tanto por la importancia que la serie tiene en sí misma como por la concentración de extraordinarias figuras en su equipo creativo. Tal es el caso de cuatro de ellos: Ed Weinberger, David Davis, Stan Daniels y James L. Brooks, que tras trabajar juntos en Mary Tyler Moore consiguen colocar en ABC un extraño proyecto que pasaría a formar parte del lugar de honor del género. Nos referimos a Taxi. En la serie no sólo confluye un impresionante equipo de escritores y de directores. Además se reúne uno de los mejores castings de comedia que jamás haya podido coincidir en una misma producción: Judd Hirsch, Tony Danza, Danny De Vito, Andy Kauffman y Christopher Lloyd por sólo citar algunos. Taxi duró sólo cuatro temporadas, entre 1978 y 1982. En tres de ellas ganó el Emmy a la mejor serie, además de otros muchos a sus guiones, dirección y actores. La audiencia acabó por abandonar el producto, pese a su indudable calidad. Eran los tiempos de la que se denominó “la muerte del sitcom”.

ALL IN THE FAMILY

2009-10-13T17:24:00.000+02:00

Curiosamente, una de las telecomedias más importantes de la historia nunca llegó a emitirse en España. Esta extraña circunstancia sólo tiene una explicación: la censura. All in the family se emite entre 1971 y 1983. Se trata originalmente de una adaptación de una serie de gran éxito en Gran Bretaña, titulada Till the death us do part, aunque en su largo recorrido en Estados Unidos cobra vida propia. Se trata de una sitcom absolutamente incorrecta para la Amércia de la época, que crea todo tipo de polémicas. Narra la vida de la familia Bunker. Tiene mil vicisitudes y cambios argumentales debido al paso del tiempo. Archie Bunker (encarnado por el actor Carroll O'Connor) es el protagonista, un taxista arisco de clase media baja, racista y ultraconservador que vive junto a su mujer Edith (Jean Stapleton), su hija Gloria (Sally Struthers) y su yerno (Rob Reiner, años más tarde conocido como gran director de cine), con el que mantiene una permanente enemistad. Además convive rodeado de todo aquello que le molesta, particularmente de una familia de negros, los Jeffersons que ocupan la casa de al lado. Posteriormente, Los Jeffersons llegan a tener incluso su propia serie en otro famoso spin-off. All in the family acapara todo tipo de galardones, entre ellos varios Emmys. Cuenta como mínimo con media docena de episodios míticos como Sammy's visit con un genial cameo de Sammy Davis Jr.

LA CHICA DE LA TELE

2009-10-13T17:07:00.000+02:00

De cara a la posteridad, sobre todo a su influencia posterior, no se puede avanzar en la historia sin detenerse ante Mary Tyler Moore Show. La serie inaugura la denominada históricamente Quality TV, que demuestra que es posible conciliar la máxima calidad, con el máximo humor y con el máximo éxito. Se extiende desde septiembre de 1970, hasta septiembre de 1977. Es posiblemente una de las comedias más inteligentes de la historia. Narra la vida de un grupo de humildes periodistas que trabajan en una emisora de televisión de cuarta categoría en Minneapolis, Minnesota. Es el equipo del informativo local Six O’clock News. La protagonista es Mary Richards, una treintañera atractiva, amable y encantadora, pero que se ha quedado soltera. Eso ni le amarga, ni le afecta especialmente. Es la dulzura personificada. La rodean algunos de los mejores personajes creados en la historia de la televisión. Lou Grant (Ed Asner) es el redactor jefe, que con los años tiene su propio spin-off con una importancia no menos trascendental. Ted Baxter, el presentador, era en centro caricaturesco de la serie. Murray Slaughter es su contrapunto ideal. Además otros personajes importantes pasan por la serie como Rhoda y Phyllis, cuya fuerza como personajes convence a los productores para realizar series por separado con ambas que llevan los nombres de pila de los personajes. Se llega a dar la circunstancia de que durante alguna temporada las tres series sobreviven entre las diez de mayor audiencia. Además destacan Georgette, la increíble mujer de Ted, y Sue Ann (Betty White) en un papel antagónico de la Rose que la hace famosa años después en Las Chicas de Oro. La nómina de productores, escritores y directores de la serie es increíble. Uno de sus creadores es James L. Brooks, conocido hoy en día entre otras actividades como creador de Los Simpson o como director del oscarizado filme Mejor imposible. Otros nombres como el mítico director James Burrows pasan por allí. La serie acumula una larguísima retahíla de galardones, entre ellos varios Emmys. Uno de ellos lo obtiene en 1976 con el episodio Chuckels bites the dust considerado en diversas encuestas como el episodio de televisión más divertido de toda la historia. En 1993, la revista Entertainment la elige como la serie número 1 de la historia. Su último episodio, emitido en 1977, está considerado uno de los momentos inolvidables del libro de oro de la televisión.

SUPERAGENTE 86

2009-10-13T16:40:00.000+02:00

El Super agente 86 (Get smart, 1965-70) presenta una magnífica versión cómica de los filmes de James Bond creada por Mel Brooks y Leonard Stern. La serie se convierte en uno de los títulos de culto de la historia de las comedias televisivas. Marca uno de los primeros intentos de introducir el mundo del cine en la televisión. La presencia como creador de Mel Brooks, años antes de que iniciara su carrera como director de películas, supone un salto de calidad evidente frente a la tradicional concepción del sitcom que había introducido una década antes I love Lucy. Coincide en el tiempo con título míticos de la década de los 60, cuando el género alcanza su mayor esplendor, a través de modas como la comedia de ciencia ficción con La Familia Addams, Los Munsters y Embrujada, o con series inolvidables como Los nuevos ricos (The Beverly Hillbillies) o grandes éxitos como The Monkees, remedo televisivo del fenómeno de The Beatles y que se convirtió en un gran fenómeno musical, que en los 80 volvió a reverdecerse en todo el mundo.
Get Smart llega a ganar un Emmy al mejor guión de comedia en 1967 con el episodio Ship of spies, emitido en dos capítulos originalmente. La serie está protagonizada por Don Adams (como el agente Maxwell Smart) y Barbara Feldon (la agente 99), su eterna compañera de aventuras. Los agentes trabajan para la agencia Control (algo así como la C.I.A.) frente a los malvados miembros de Kaos. Adams años después pone la voz durante años a la versión en inglés de la serie de dibujos Inspector Gadget. Barbara Feldon había sido antes famosa como ganadora del popular concurso $64.000 Question como especialista en la vida y obra de William Shakespeare.

I LOVE LUCY

2009-10-13T14:34:00.000+02:00

El primer gran bombazo de la televisión fue I love Lucy (1951). Lucille Ball protagoniza un serial (Mi marido favorito) en la radio, cuando CBS le ofrece hacer el show en la televisión. Ella exige que su pareja fuera su marido, Desi Arnaz.

En el proceso de puesta en marcha se viven algunas curiosas anécdotas, como la relativa al título de la serie. CBS quiere que se llame simplemente El show de Lucille Ball. Sin embargo, la pareja lo considera humillante para Arnaz, que es el auténtico productor y creador del proyecto. Pese a ello, la cadena se niega en redondo a que un desconocido figure en la cabecera. Al final se busca una original fórmula que permite la integración del actor sin que figure su nombre. El Te quiero Lucy está claro que incluye la presencia protagonista de Desi Arnaz, sin necesidad de que su nombre aparezca.

Fue realmente el primer sitcom en sentido estricto. Su gran éxito en Estados Unidos y posteriormente en todo el mundo, incluida España a finales de los 50, alerta a la industria sobre el nacimiento de este género. La serie tiene además importantes aportaciones desde el punto de vista técnico. Es la primera sitcom rodada en soporte cine. La razón es curiosa y tiene que ver con el conflicto surgido cuando el patrocinador (la marca de tabaco Philip Morris) rechaza la idea de producir el show en Los Ángeles. Esto obliga a kinescopar (el paso de vídeo a cine, el proceso inverso del telecine) la cinta para su envío a Nueva York, por lo que la calidad de la imagen se resiente de forma ostensible. Desi Arnaz tiene la idea de hacerla en cine para garantizar el alto nivel de la grabación.

Otro de los principales aportes es la creación de un eficaz sistema de producción basado en la necesidad de producir un episodio semanal que se graba además con público en directo. Se crea un sistema de trabajo que aún hoy es la base de actuación de todos los sitcoms en buena parte del mundo. La serie cierra en 1957, tras 179 episodios (realmente 178, ya que un episodio navideño no se emite al no considerarse con nivel de calidad suficiente).

El argumento describe la vida cotidiana del matrimonio formado por Lucy Ricardo (Lucille Ball) y Ricky Ricardo (Desi Arnaz). Él trabajaba como director de la banda que animaba las noches de un club, el Tropicana. Su mujer, insatisfecha con el simple papel de ama de casa siempre buscaba salidas que la mayor parte de las veces acababan por complicar la vida a todos. Sus compañeros de aventuras eran el matrimonio de caseros y, finalmente, íntimos amigos: los Mertz (Vivian Vance y William Frawley).

El matrimonio Arnaz-Ball en la ficción vive en Manhattan. Eran además matrimonio en la vida real, aunque pese al éxito la pareja acabó por divorciarse en 1960. Y eso que el proyecto lo pusieron en marcha para fortalecer su matrimonio (se habían casado en el 40) afamado por sus continuos problemas.

El presupuesto inicial de la serie es de apenas 19.500$. Los salarios son de 5.000$ para los dos. Los rebajan 1.000$ a cambio de rodar en cine y de quedarse con el 100% de los derechos de explotación futura de la serie. CBS dice que sí. Está considerado el sí más caro de toda la historia. La productora de Lucy y Desi Arnaz, Desilu ganará millones de dólares en los años posteriores.

El 15 de Octubre de 1951 CBS emite el primer episodio titulado The Girls want to go to a night-club. Es un lunes a las 9 de la noche. Las críticas son espléndidas y la audiencia también. La revista Variety afirma: Este show va a hacer vender montones de cigarrillos, en alusión a los beneficios que pudiera obtener la Philip Morris, patrocinadora de la serie. El show gana 25 premios en su primera temporada. En su carrera ganará 5 Emmys, entre ellos dos a la mejor comedia.

La importancia de I Love Lucy es trascendental a varios niveles. Además de inventar las telecomedias modernas y de convertirse en el primer bombazo de la historia de la televisión, aporta algo decisivo: establece un método de trabajo que todavía hoy, casi medio siglo después se sigue utilizando en Estados Unidos. Desi Arnaz como responsable máximo de la producción elabora un modelo que permitía la grabación (filmación) semanal de un episodio de la serie para su emisión ininterrumpida cada lunes. La serie se filmaba los viernes, con público en directo tras un intenso proceso de trabajo.

La serie vive mil vicisitudes que ya son historia de la televisión. La clave del éxito está cimentada en un estilo absolutamente blanco acorde con la época. En esos años, os norteamericanos se identifican absolutamente con esta familia modelo que llega a tener un hijo en la serie con lo que consigue uno de los mayores hitos de la historia de la televisión en Estados Unidos al emitirse el episodio Lucy goes to the hospital, en 1953, que fue visto por 44 millones de espectadores.

En la serie se incorporó así Little Ritchie. En realidad el papel era realizado por una pareja de hermanos. Las leyes californianas impiden que niños menores de seis años trabajen más de dos horas al día, por lo que es necesario contar con dos gemelos para cubrir la producción. Esto es una norma habitual de todo trabajo con niños en las series de televisión en Estados Unidos.

Otro de los mayores escándalos viene cuando Lucille Ball es acusada en plena era McCarthy de ser comunista. Ella explica que en los años 30 apoya al Partido Comunista para complacer a su abuela. Tras las declaraciones y las investigaciones es declarada inocente en el consiguiente proceso de caza de brujas.

Todavía se emiten a menudo los 178 episodios de la serie, que sigue siendo uno de los máximos objetos de culto que este medio ha creado. Todas las historias escritas sobre la serie coinciden en señalar dos episodios como los mejores de todos y, por tanto, dos de los más importantes momentos de toda la historia de la televisión. El primero de ellos es Lucy’s Italian Movie, que narra la aventura vivida cuando un director italiano elige a Lucy Ricardo para hacer un papel en su película Bitter Grapes (Uvas amargas). Lucy decide conocer la vida real italiana en un cultivo de vides para poder afrontar mejor su papel. La escena de la pisada de uvas está considerado uno de los más hilarantes momentos jamás emitidos por la pantalla. El otro es Lucy does a comercial (Lucy hace un anuncio), en el que la protagonista consigue su sueño de trabajar como actriz televisiva en un spot sobre un jarabe demasiado cargado de alcohol.
En la temporada 56-57 se decide terminar la serie. Antes, venden los derechos de los episodios rodados a CBS por 5 millones de dólares.